Alan Silvestri es un reconocido compositor que ya ha hecho mucha fama en Hollywood y diversos mercados filmicos alrededor del mundo por su gran carácter y calidad de composición.

Hace pocos días tuve la posibilidad de escuchar uno de sus más recientes trabajos: Beowulf.
Debo decir que estoy bastante sorprendido, para bien, y una vez más creo este compositor ha logrado crear una interesante banda de sonido.
 
Muchos ya deben saber que soy poco afectuoso a composiciones donde se generen sonidos elctrónicos y soy mas bien “clasicista” respecto de la utilizacion de orquesta para generar ambientes y sentimientos alrededor de una película. En esta oportunidad Alan ,creo ,ha sabido mezclar solidamente lo mejor de los dos mundos.
Pero, dando paso entonces a la BSO en cuestión, Beowulf comienza de por si, con acordes electróncios que confluyen a coros y orquesta para desembocar en un track rítimico y sonoro que, la verdad, me atrajo. El CD en general es una banda de sonido potente y sorda que se impone en su propia naturaleza mas allá de su acompañamiento visual. Sin embargo, esto por supuesto también está contrapuesto, dentro del CD, con diversos matices más suaves, con pasajes un tanto agridulces, y profundos lamentos para traer balance al oyente. Pero aquel que este buscando una OST calma y tranquila, por favor no busque Beowulf.
También hasta la actriz Robin Wright-Penn tiene su lugarcito dentro de la BSO con 2 obras dulces y delicadas.

En resumen, creo esta banda sonora trae lo innovador, que la digitalización de actores trajo a la pantalla, la musica lo lleva al espectador.

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Con el reciente estreno de esta película en la Argentina, paso entonces a comentarles su música.
Bajo la dirección de Robert Redford, este film se presenta a nosotros como intenso y sutil de dinámicas suaves y calma temporal.

En términos musicals, Mark Isham, su maestro, es un conocido compositor Estadounidense, mas precisamente de NYC, que ha hecho bastante a lo largo de su carrera en música para películas pero no se ha destacado en demasía. Aquí. la música cobra un lugar ambiental poco seductivo al oido fuera de las imágenes. Con pasajes suaves y matices muy controlados, esta banda sonora, de 37 minutos de duración, no ocupa un lugar dentro del film mas que la ambientación pura.

Citando un blog amigo creo que Redford describe excelentemente el punto de vista musical de este filme: “Una de las características más atractivas de Mark es que sabe cómo hacer que las cosas se mantengan simples. Me gusta la música sutil, pero que apoye el drama y que esté ahí por una razón, y Mark lo logró de una manera espléndida”.

Mark fluye la música muy en el fondo y no cobra un papel principal en exactamente ningún momento. Creo “texturas” podría bien describir varios pasajes, como “Main Titles” o “Firefight”. Lo vibrante de esta BSO es simplemente lo sordo y simpleza del lugar que ocupa y la capacidad, muy interesante, de generar ambientes y colores de una paleta llena de ocres y pasteles con meros rojos furiosos que hacen a lo delicado del resto.

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Cerca del estreno de The Invasion, protagonizada por Nicole Kidman y Daniel Craig, estaremos repasando su banda sonora compuesta por unos de mis asrtistas favoritos, John Ottman.

John Ottman, es un compositor contemporaneo, mas bien moderno y clásico al mismo tiempo, que en ha sabido siempre tener una notable performance. Entre sus obras primas tenemos: Los 4 Fantasticos y Superman Returns que lograron acaparar las miradas de sus colegas como interpretaciones de muy buena calidad.

En esta nueva película pasa lo que muchas veces, cuando se trata de musica para películas. Funciona solamente si se ve la pantalla y resulta hasta dificultoso comprenderlas por si solas en un CD.
Este soundtrack es un “clásico” ejemplo de por que decimos que Johnn es clásíco y moderno al mismo tiempo. La overutra del CD comienza con toques orquestrales (The Hollywood Studio Symphony) pero asoma, en ciertos pasajes, unas melodías sintetizadas simil coro que pretender agregar texturas a la obra. Por otro lado, noté cierta flexibilidad en la generación de matices y moderaciones temporales lo que genera que John cree diversas atmósferas durante toda la banda pero siempre dentro del género oscuro y tensionante.

No hay mucho para decir mas allá de que esta música evidentemente fue diseñada en un conjunto de sonidos y no como elementos melódicos que puedan ser audibles fuera de la pantalla. Mucha atonalida y disonancia para un sountrack que no llega lo suficiente y demuestra poco de la gran creatividad de John Ottman.

Hoy nos toca Michael Clayton. Si no lo reconoces es por que no es el nombre del compositor sino una de las últimas películas de George Clooney. James N. Howard fue el encargo en esta oportunidad de ponerle musica a este nuevo film.

Concordando con otros colegas diría que escuchando esta banda de sonido uno podría perderse facilmente. Si habría alguna vez una palabra para describir esta composición yo diría que es “texturas”. James Newton Howard es un reconocido compositor de la linea B+ en Hollywood. A lo largo de esta banda de sonido el compositor no muestra mayores sobresaltos y sintetiza todo en multiples capas de sonidos llenos de sonidos entrelazados que funcionan bien por un rato y después cansan al oyente. Esta composición esta electronicamente diseñada pero pensada en una orquestación tradicional lo que a mi modo de ver no deja de ser un híbrido sin sentido pero que en esta oportunidad esta bastante bien logrado.

Si nos adentramos en los oscuros tracks de este drama el primer “corte” nos choca con “Main Titles”. Aquí James nos muestra casi toda su banda sonora introduciendo matices y cambios de ritmos que coinciden perfectamente con las imágenes. Este track por si solo podría bien ser el CD entero ya que concentra la paleta de colores completa utilizada a lo largo de los restantes 36 minutos. Los subsiguientes tracks no hacen más que mostrar la enorme capacidad de este compositor a la hora de perpetuar en notas musicales lo oscuro e intenso de las películas. Utilizando colores muy cerca del extremo mas pesado del espectro, titulos como “Chinatown” o “Drive to Field” son excelentes ejemplos de esta manipulación sonora. En lo restante…simplemente violines, cambios de ritmos, prestissimos y matices bien acomodados llenan el resto del CD permitiendo a James un mayor desarrollo humanizando un poquito mas al personaje. Ya en el final, capaz lo mas interesante de todo, un poco de sentimientos asoman, llevando esta obra hacia algo mas melódico y tierno para concluir con un diminuendo que cierra por completo este soundtrack.

En definitiva, no creo que haya sido culpa del compositor lo cercano a la mediocridad de esta pieza sino una falta de recursos centrales en la película que no permitieron una expansión musical acorde a James N. Howard. Lo que si; Para quienes son fanaticos de este compositor trae un brillo distinto que en lo particular creo agrega y mucho a su colección.

Howard Shore es un compositor canadiense espléndido que ha sabido cautivarnos a lo largo de su trayectoria. Hoy, no es la excepción y ya lejos de aquel célebre “El Señor de los Anillos” estaremos viendo su última composición, en este caso para la película “Eastern Promises”. Este film de David Cronemberg, un viejo amigo de Howard Shore, presenta una dicotomía entre lo sicótico y lo por cierto muy violento. Tras composiciones como “Una historia de violencia” o “The Departed” este compositor sabe por cierto como manejar este tipo de situaciones y entiende lo profundo del abismo oscuro de la violencia para resolverlo en simples acordes que merecen un gran respeto.

Con violín como principal voz de toda la música, esta banda sonora raya los límites de lo violento y lo romántico. Lo sucio y lo melódico. Más allá de su interpretación brillante y de peso específico importante, este instrumento logra relatar la oscura y pesimista historia que esta película trata de imponer. Este dulce violín divaga entro lo nostálgico y lo hermoso y se destaca por completo en el tema principal “Eastern Promises”. Asimismo, en el segundo track de la obra llamado “Tatiana”, este instrumento toma más un movimiento romántico y femenino que demuestra pasión y ternura pero sin abandonar lo sórdido de la oscuridad. Ya en otro tema, Howard introduce un nuevo instrumento como guía de su partitura; La voz. Es así que para “Slavery and Suffering” se logra escuchar un coro mixto que continua con lo legato y cauteloso de toda la banda sonora. Sin lugar a dudas, la composición más oscura de este tema es “Nine Elms” que demuestra la majestuosidad y versatilidad del uso de cuerdas para Howard Shore.

En resumen, un muy buen soundtrack para tener en cuenta que dice bastante e ilumina poco pero que sin lugar a dudas es provocativa mezclando la dulzura y la violencia como solo Howard Shore puede hacerlo.

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Vuelven los Piratas del Caribe, esta vez en el fin del mundo. Con Hans Zimmer a la cabeza, esta nueva producción de Disney trae aventura y buena música en un filme para toda la familia.
La tercera parte de esta entretenida zaga propone el mismo toque “pirata” que nos mostraron sus antecesoras y nos remonta a las épocas doradas de Davi Jones y el Perla Negra.

Evidentemente, Hans Zimmer es el hombre indicado para esta película y lo demostró de grna manera, no solo en sus dos versiones anteriores sino en el fin del mundo también. Este nuevo CD de 15 tracks muestra amplios y seguros sonidos que van desde un clásico violin hasta lo moderno de un sintetizador.
Para comenzar, la única crítica visible, y creo que en parte viene por una preferencia personal, casi ningún track muestra el tema principal de la película generando cierta heterogeneidad respecto de la coherencia general de la banda de sonido. Mas allá de esto las obras se imponen por si mismas y generan el ambiente necesario para disfrutar del film.

“Hoist of Colours” creo es la obra mejor lograda por el compositor. Realmente uno identifica este tema con los antiguos cánticos de esclavos que sonaban durante esa época por todo el caribe. Este tema está divido en dos partes, el comienzo con un leve susurro de uno de los chicos y para el cierre un coro masculino brillante que da la vuelta de tuerca necesaria para este tipo de obras. En “Singapore” aparece un nuevo personaje; el Capitan Sao Feng. Este tema es sencillo pero provocador y hasta a veces nos hace recordar a algunos acordes del “Último Samurai”. “Multiple Jacks” y “Up is Down” son dos temas muy trabajados que realmente me impresionaron en algún punto por lo desarrollado y emotivo. El gran tema sensible es “What Shall we die for” que muestra apasionadas cuerdas deseosas de morir por un gran amor pirata. Por último, “Drink up me hearties” es el broche de oro para esta gran banda sonora. Tal cual mi gusto, esta obra muestra gran ostentosidad y magnificencia propias de un final inesperado pero grandioso que despierta cierto deseo de continuar hacia una cuarta película. Ya si aquí , el tema principal de Pirata del Caribe es desarrollado en todo su esplendor con un prestísimo único de Hans Zimmer que nos demuestra lo más querible de Jack Sparrow. Creo que esta obra muestra los mejores acordes de toda la zaga al ritmo del Ron y el viento que son actores principales de estas escenas.

Como verán creo que Piratas del Caribe: en el Fin del Mundo, es una película que desde su música, está maravillosamente lograda a través de un gran compositor que evidentemente alcanzó una majestuosidad única en tres momentos distintos y nos llevó hasta el fin del propio mundo.

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La leyenda del Pianista del Oceano o más conocida como La Leggenda del Pianista sull’Oceano, por su título en idioma original, es una película del estilo clásico europeo del cine arte. Quien no sino Ennio Morricone, entonces, para ponerle música a este largometraje.

Ennio es uno de los compositores más respetados de este siglo. Muchas obras han sido reconocidas mundialmente por su versatilidad dentro del género estableciendo grandes momentos del cine. Con este nuevo trabajo ha logrado cautivarme nuevamente a través de una formidable composición y orquestación de película, valga la redundancia. Durante todo el CD uno puede deducir que este CD no solo retoma temáticas y pasajes de grandes composiciones de Morricone como The Untouchables y Once Upon A Time In America sino que va mas allá para traer a la vida los más dulces sonidos que pocas veceso me animaría a decir jamás he escuchado antes. Todos los compositores tiene su toque personal, si uno analiza a John Williams por ejemplo el hombre se destaca por sus composiciones de grandes orquestas al ritmo de una marcha interpuesta con sólidos sonidos de trompetas y bronces en general, Ennio se destaca por sus cálidos y dulces acordes que buscan el arte dentro del arte.

Volviendo a esta nueva obra, y en honor a la versatilidad que antes mencionaba, uno podría decir que hasta el mismísimo Gerswin arregló ciertos compases de las obras. Me gustaría solamente resaltar el segundo tema del CD; “The Legend of the Pianist”; que es sencillamente de otro mundo y logra penetrar el sórdido mundo de los sentimientos mas allá de una mera composición de 8 minutos llena de cuerdas y maderas. Su comienzo suave, con profundos y tranquilos legatos establecen el tiempo de la obra y siembran un ambiente único pocas veces tan bien logrado como este. Mismo, el matíz utilizado en el comienzo logra este efecto para luego irrumpir en un ff emocionante. La exposición del tema es fuerte y bien marcada mostrando la gran capacidad de escritura del compositor y transportándonos a un universo paralelo lleno de sensaciones. Lo único criticable de este tema, y creería de la banda sonora completa, es el notable parecido de ciertos temas dentro de la obra a diversas composiciones previamente utilizadas por Ennio en otras películas. Mismo utiliza 2 compases de esta obra como tema principal de Malena, composición que desarrolló casi 10 años después.

A modo de conclusión diría que este CD es uno de mis favoritos y lograr cautivamerme cada vez que lo escucho. Ennio Morricone, demostró por que es un compositor de renombre que no lamenta el poco reconocimiento a nivel Oscars, pero que siempre establece nuevos parámetros de composición película tras película.

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Link Directo: http://tinyurl.com/24lwgm

Nuevamente nos encontramos con 2 viejos amigos. Por un lado, a nuestro eterno Homero Simpson que, en su versión en español y ya sin la voz de Humberto Velez sigue siendo querible por donde lo veas. Por otro, un grande de la composición para música de películas de los últimos tiempos. Ya no es noticias que Hans Zimmer siga sorprendiéndonos con sus “marcadas” bandas pero sí en este caso que lo haya hecho con tan poco trabajo y gran simpleza.

La primera película de Los Simpsons, estrenada luego de 18 temporadas al aire en TV, no trajo mayores sorpresas tanto desde la historia como desde la música. La simpática familia de Springfield tuvo que enfrentar, en esta oportunidad, la mayor “cuarentena” jamás vista. Todo esto bajo un gran domo de vidrio junto a Burns, Moe, Skinner, Cletus, Jimbo y Nelson entre otros.. AHHH y Flanders! Pero volviendo a la música… el compositor germano Hans Zimmer nos trajo variedad y buena música durante 40 minutos.

En esta banda de sonido de 15 tracks, encontraremos variedad, simpleza, y sobre todo diversión. Ahora bien, si queremos una música que nos enternezca y nos muestre la dulzura de la música, mejor andá buscando de nuevo. Acá no encontramos mayores sobresaltos respecto de la emotividad de algunas piezas que lo único que lograron fue llegarme a la epidermis. Sin embargo, no es que la película lo requiera, ya que la comedia prima por sobre todas las cosas.

La versión orquestada del tema principal de Los Simpsons es simplemente deliciosa y divertida. En este caso particular y teniendo un compositor medio alejado de la tradicional orquesta, como no lo era un Elmer Bernstein por ejemplo, Hans Zimmer logró sorprenderme con esta dirección del clásico tema. Varios de los track subsiguientes carecen de sentido si se escuchan por si solos fuera de las imágenes ya que se nota están sumamente armonizados para la pantalla; algo reprochable si se es un poco crítico. Clap for Alaska puede ser el track más emotivo de toda la banda de sonido que logra mezclar matices suaves y cálidos con un legato dulce que nos transporta a la mismisima ciudad de Alaska.

La mejor composición es sin dudas un arreglo jocoso del tradicional Hoedown, de la obra Rodeo, de Aaron Copland. Bajo el nombre de “Why everything I whip leave me”, el western da cuenta de un hermoso arreglo y distinguidas variaciones bajo preciosos y precisos violines que demuestran la gran habilidad de ejecución y nos llevan a un mundo de cowboys “amarillos” sin siquiera la necesidad de una imagen. Asimismo, “Spider Pig” es otro de los arreglos de Zimmer de un emblema de la música de películas como Spiderman. En este punto, simplemente armoniza nuevamente algunos acordes especialmente ideados para la nueva lírica. Fuera de esto poco.

En resumen, “The Simpsons Movie” OST (Original Soundtrack) es un claro y preciso trabajo de Hans Zimmer que simplemente tomó y ocupó su lugar junto y fuera de la pantalla. Un gran trabajo marketinero para el CD pero respetable.

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Ladies and Gentlemen: I welcome you to the second year in Hogwarts. Things are getting darker and much more mysterious and frightening. New adventures and threatens arise from the horizon and our only hope is Harry. However, we do have our own private saviour and it’s not Mr. Potter itself. John Williams once again brings magical brightness and spectacular glitter to our ears. Of course William Ross deserves some credit as well for an incredible adaptation of John’s compositions, that feels nothing but a seamless job that we don’t quite understand or sense where did Mr. Ross play the part and where did Williams commenced.

I feel no surprise at all to find out yet another magnificent score well executed and orchestrated from A to Z by John Williams. Of course, there were marvellous moments that just seemed to transport me to some other dimension. Mentioning amongst them pieces just like the outstanding “Harry’ Wondrous World” for the end credits or the sensitive and fancy-stringed “Fawkes the Phoenix” that could have brought that peculiar creature back to life again and again.

When we think of who might be the one to composed memorable themes for the first time we think no other than John Williams. He can arrange an enormous-picturesque bouquet of notes that can only be enjoy through music. With an OST of over 70 minutes many tracks can be highlight. We already mentioned “Harry Wondrous World” showing a typical sherzo-sounding march with bouncy strings, woodwinds, brass and unforgettable timbales. Also, “The Chamber of Secrets” is strong and brass-connected theme that suits excellently along with themes like “The Spiders” and “Meeting Tom Riddle”. Last but not least, “Reunion with Friends” also shows the classical touch of low strings, muted brass and a gentle touch of woodwinds.

Overall, Harry Potter and the Chamber of Secrets is an excellent score, greatly played, very coherent and constant with shinny and vivid passages that fits everybody’s needs on both CD and film.

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In showbiz unknown directors means generally unknown composers. Certainly, this was no exception. For the fifth year at Hogwards, WB had chosen a barely-known-movie composer to continue the magic of music along the saga. We then said hi to Nicholas. We all recall the magnificent score made by John Williams upon the first three Harry Potter’s movies – setting therefore an incredibly high standard for newcomers. As for the fourth movie, we said “farewell” to John and welcome a non neo-romanticist Patrick Doyle. He, however, managed like few to transform the deepest moments and turn points in that film, into charming but frightening spots along another year in the magical World.

Getting to the fifth measure
Nicholas Hooper is David Yates long-time composer. Hooper is a well-respected British composer but only known for his work at TV soundtracks. Furthermore, he won one BAFTA for the OST of “The Young Visiters” in 2004. Hooper was never given such a challenge before and questions among fans began. Would he be good enough? Would this project be too much for him?. The result: a colourful but skeptical palette of notes that has not entirely worked along with the film and moreover has not managed to understand the deepest and darkest movie up to date.

Veritaserum
The full score was just above passing mark. Nicholas composed an incongruous score using non-thematical pieces with only a few stylish passages, all in around 50 minutes. Harry Potter and the Order of the Phoenix is just a mere score that has nothing to standout but only few seconds that are worth listening. Professor Umbridge, is a very suitable and easy-going theme played quickly and precise that reflects the characters momentum. Fireworks, on the other hand, is a very joyful and strong theme, excellently executed bringing some blushing-irish excitement to the screen. There are a few more high peaks in the music e.g. Dumbledore’s Army. This is the track I’ve enjoyed the most as is greatly and beautifully orchestrated with a soft and warm oboes and precise and intense strings building up the tempo.

The Dementors Underpass was no exception to the just-fine soundtrack. This track showed no coherence with the images as they were supposes to show life-threatening feeling and all I felt was some fear and uncertainty. “The Ministry of Magic” just two word: Les Miserables. On the other hand, “A Journey to Hogwarts” brought some light and beauty to the movie, as it had a nice instrumentation and soft and gentle chords.

Another Year Ends
Evidently, Harry Potter was to much to take for Nicholas Hooper who had ensemble a decent album but full of unclear passages. Not definition or identity showed this soundtrack which would have done some much great with other composers. With the exception of a couple, only two, track all the rest was boredom and unhappiness as, at least me, would have expected much more delivery.

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